色彩的相关性作用。当我们把一个色彩涂在画面上的时候，并不仅仅是着色在画笔所接触的部分，同时也是对那周围部分，进行着补色的作用。也就说凡是一幅好的色彩绘画作品，所有画面上的色彩都不应当是孤立的，而必须是一个有机联系的整体，当然想要做到这一点，还必须考虑到很多更晕要的问题，表现它们不同的固有性格，并依靠这些特殊的性格，充实色彩的表现作用是很重要的。 有的学生在具具体的写生时，对这些问题往往不加注意，因此在画面上不能造成很好的色彩表达。每个色彩的固有性格非但不能得到充分的发挥，还遭受着不应有的损害和压抑。有的使用色彩往往只是凭借个人的心理作用，滥用滥配，而没有从科学的基础上找出一系列正确的规律，所得的效果不是很和谐的。如能用理论来指导实践，由实践来丰富和提高理论的认识，才可以少走弯路，减少反复失败的苦恼。任何画面都要求达到协调完整体统一的效果。由于表达内容及某种主题的需要，又必须结合形体的表现，同时在平面的画面上，还要采取一些方法，去表示出物体的立体关系和空间距离的感觉。要求根据色彩的质量、明暗关系，造成色彩的均衡、对照和互相照应的作用，使画面的色彩既富于多样变化，表现出色彩在画面中的整体而统一的美感。在相对有序的色彩变化中，以具象表达的方式，体验传统绘画色彩训练之过程，从中获取各自所需，是必要的环节之一。
在绘画色彩的训练中，当面对静物、风景、人物、人体等实体的写生时，最根本的原则是要有～个正确的观察及表现方法，无论表现的对象是静物还是风景，是人物还是人体或是其他，必须始终把握好色彩画面的整体与局部之间的相互关系。也就是说抓住对象的总的感觉，通过比较找出较为细微的变化，由浅人深地去刻画。以具体视觉观察为主要切人点，以认识、分析、理解色彩在不同的实体中所引申出的多种不同变化为学习目的。摆脱以往应试学习的方式，把握正确的色彩表现的一般规律。在两维空间的表面上表现三维空间的物体的形态和色彩，也是一种必备的基本功。在色彩写生时，要意识到颜色不是当做某种无任何意义的填充物或仅仅为了诱惑视觉的附属的点缀品，它在艺术设计中应成为独立的造型语言，色彩存在于我们生活的空间之中，就从我们视觉语言这一单方面来讲，它也是极富表现力的。 在写生时对色彩表现需要注意到的一些方式方法，在色彩写生时首先面临的就是如何观察和把握画面色彩的多种对比关系，比如说色相对比色：色相就是指颜色的相貌。当描绘的多种对象在明度相同、冷暧难以辨认的情况下，常常利用色相来比较、区分。比冷暖：冷色与暧色是人们的生理感觉和感情联想。色彩的冷暖是互为条件，互相依存的，两种色彩相比 较是决定冷暖的主要依据。没有暖的对比，冷色也不可能单独存在，它们是对立统一的两个方面，色彩的冷暖感觉是通过整体分析比较而得出的。一般情况下，暖色光使物体受光部分色彩变暖而背光部分呈现其补色的冷色倾向；冷色光使物体受光部分色彩变冷而背光部分呈现其补色的暖色倾向。即感觉中偏红的为暖，偏蓝的为冷。还有明度对比，色彩的明暗差别， 即深浅变化为明度。色彩的差别又包括某种色彩的深浅变化和不同色相间存在的明度差别。在比较明度时一定要把重要的颜色和最亮的颜色找出，然后由深到浅地建立一个次序排列，对画面色彩要有一个整体空间的认识。同时根据对客观对象的认识与理解，把握住大的黑白灰关系，将对象的层次进行概括，进行对比，使画面效果丰富多彩。画面如果缺乏深浅色的对比变化，对象本质的真实感是难以表现的。 在具体表现画面时先绘出整体的色彩，然后再去考虑具体的形态，这种表现方法有益于提高对色彩的概括能力。在理解色光的基础上，确定轮廓然后抓住所描绘对象的色彩大关系和调子特点，排除细节描绘，将对象复杂的色彩和形态归纳为大的色域，如明度、冷暖、面积对比构的色调为大的色域来归纳。还要注意画面对比调和，没有对比就没有表现力。在写 生中运用对比来突出形象，加强画面主题的表达效果，同时也运用各种色彩对比不断激活画面的色彩，加强空间、距离、体积等画面效果。常用的对比方法有冷暖、明度、纯度等；而调和与对比恰是矛盾的。调和方法有主导色、同邻近色、光源色、对比色的调和。对比给人
以强烈的感觉，调和则给人以协调统一的感觉，是对立的统一。运用时须根据主题、内容和 画面效果需要有所侧重。在色彩写生中，强调对比时，要注意调和，反之也一样。因为色彩在空f司中有一疋的倾向性，单纯的中间状态是不大可能的。这样谷易把握好整体画面色彩的相互关系，控制好你所要表还的内容和主题及画面中和谐统一的色调。
色彩写生的方法和步骤
色彩写生是再现自然、再现生活的真切感人的强有力的手段。借助它可以在一个二度空间创造出惊人的视觉真实和独特的色彩效果。在作画过程中，正确地观察和掌握客观物体的色彩规律能提高色彩的分辨能力和使用色彩的能力，是色彩写生的关键。
正确的表现方法其一个根本原则是：整体一一局部一一整体。无论是方法步骤的设立，还是表现中的塑造过程，都是严格遵守这一原则的。作画步骤应是从整体开始到整体结束，局部调整也应是整体、局部、整体不断反复，不断深入。首先控制画面的基本色调，把一组静物的背景与主体、一处风景的天空远景与近景等概括归纳为几大色块，抓住对象的总的感觉，构成调子的色彩因素，由浅到深，用大笔比较迅速地将大的色彩关系画出来。其次调整修改，深入刻画，通过比较找出较为细微的变化，找出局部在整体中应处的位置，并始终以整体调子和冷暖、明暗关系来检查反光和环境光对色调的影响，又以大的色彩关系去衡量局部细节的准确度，再提炼概括。整体的观察和表现始终贯穿在作画的全过程，任何时候停下作业，画面的整体关系都应是完整的，而不能让局部明显地、孤立地跳出画面，从始到终都要在整体的大关系中表现对象，直至完成。
(1)静物
静物写生训练，学生们首先要学会自己布置静物，通过摆静物来提高美感和画面构图的能力(不仅仅是针对静物写生，在人物、人体写生时最好也能采取这种方法)。不能随便拼凑，要根据某一主题构思，将有一定联系的物体互相组合成较为完整的写生对象，如在色彩上要有一定的冷暖配置、明度差异，有最重、最亮和中间色调等。在形状上最好有方有圆、有大小形态的搭配，在质地上的选择也要注意变化，有粗糙、光滑、柔软、坚硬的。这些都有利于对不同质感的表达。
写生之前先作一张单色画，熟悉一下绘画工具的性能，因为是单色画面，不需要考虑色彩的变化，主要训练队构图，明暗，体积感、空间感的表现，之后再进行色彩静物写生。写生时要注意角度的选择(不提倡全班同学只有一种固定的静物，一种被动的选择、一种完全一致的表现手法、．一种单一的判断标准)。以静物与画面位置的高低，及物体之间的疏密安排是否自然生动为前提。距离写生对象不要过于近，不利于整体的观察。
在写生的过程中，应该时常把自己的绘画放在实物对象旁边，进行对照、检查、比较，大体的色彩关系及明暗对比关系，是否与对象比较接近。起初不要刻意追求技巧上的精彩，只要求相对地表达对象，不要把视线仅停留在物体的局部上，要把握大的色块，然后逐步深入刻画，力求做到不同质感，不同表现，从中积累经验，提高自己的绘画技巧，增强画面的感染力。
(2)风景
风景写生课可以先练习小张风景速写，做一些色彩感觉上的练习，主要解决天空、地面及地面景物三者大的色彩及明暗关系。色彩风景速写由于画面不大，内容不复杂，可以很快完成，又可增加写生幅数，对捕捉顷刻即逝的自然景象十分有利。经过较多的小风景速写，养成迅速把握色调，正确处理天空、地面、地面景物三者大关系的良好习惯后再进行大张风景的写生，就不会感觉太吃力了(8开或4开纸张)。 风景写生与画其他画一样，首先要有“激情”，没有这个先决条件，描绘下来的画面是会很平淡。一张风景画，贵在“意境”。所谓“画中有诗”，对大自然需要有情感，才能把景物真正地描绘出来，使别人与你产生共鸣。因此在取景时应有所选择，或是色调特别美，或
者造型气魄特别大，或是情调特别动人等等。抓住这些感受尽可能地在画面中体现出来。 这就需要你对画面有所把握，对构图，取景，色调等有一定的取台，有一定的处理，而不是机械地照相式地描绘。
自然界里，每一块色彩都不是孤立的，它与周围的色彩是有联系的。如，绿草地上红房子，红与绿的色彩不能太单一，可在红房子的色彩上隐现一点绿的感觉，而绿草地也可略加一些暖红的成分。由于风景在我们眼中所呈现的是较广阔的空间，因此空间感的表达是很重要的，即要在平面纸上表现前后，左右，上下所组成的空间距离，画天空常画一块蓝色，而不去体现高空及其伸向地平线的空间距离。因此画天空色的上下部分应有变化，体现其无限深远。
画风景上色时，一般先解决大面积部分，然后再画局部，天空最好与远景同时画，帮助远景推远。画远景应注意减弱色彩纯度及笔触等。喷感及其处理在风景写生中所描绘的对象是很丰富的，不仅色彩不同，空间距离不同，质感也不相同，因而如何表现就需要开动脑子了。如，地面是坚实的，高山及建筑物等是厚重的，天空是透亮深远的，河海是流动的等。不同的质感，应有不同的表现手法，才能较生动地表现出来。包括用笔，充分发挥颜料色 的特性，利用干湿浓淡以及虚实处理等，不断进行探索。
注意细节的刻画，但又需要掌握分寸，不要片面追求，使画面琐碎，无主次。应有整体，有局部，有粗有细，有繁有简，要恰到好处。如树叶每一片都画出来不但琐碎且破坏了空间感。画树要整体地画，但又要通过某几点树叶树枝的刻画，使人的视觉大体能感觉到成片树叶的质感。所谓“远处取其势，近处取其质”也就是这个道理。
由于景物各有特点，给我们的感受也不相同。应在风景写生中对每张画有所追求。为了加强整张画的情调，在追求局部质感上并不一律要求完全如实描写，应允许夸张和强调。多用直线，方硬笔触，柔的物体也画得硬挺，使整张画传达给人们一种力量。
2．感性——无序的色彩意象及抽象表现 (1)多种表现手法的色彩感觉训练
在理性的推断下通过具象的表达，在色彩具体方法的运用中，使我们已经明确了在写实色彩方面的很多道理。但是这并不因此就可以掌握全面而正确的色彩方法，这只是绘画色彩表现的一个方面，假如我们对某些方法缺乏判断能力，就仍然不能把那些对自己有益的方法很好地巩固起来，真正应用到自己的设计中去。如果表现目的有所不同，作为表现手段的色彩方法也就不完全相同了。我们还需要对色彩作多方面的了解和进一步的学习。 无序的色彩意象及抽象表现，简单地说就是非具象写实的色彩表现，具象的表现方法是为了忠实于现实的对象，而非具象的意象及抽象表现，往往脱离实际的对象。在色彩的表现方法上并不完全依靠肉眼的观察，更多的是依靠心理观察的色彩观念，画面由画布、色彩、点、线、面、物质、动态、空间等多种要素之间相互关系所构成，追求隐藏的色彩结构的本质及多种力之间的平衡，它摆脱了传统绘画对现实物体色彩的表现方法，色彩要表现什么并不重要，重要的是如何去表现。
对于现代绘画在色彩表现上的变迁，如果要究其原因，还必须追溯一下历史，西方抽象绘画不是一种通俗易解的艺术，为了便于说明它的性状，现在且从它的反面(写实或“再现”)说起。再现客观物形，在世界上各民族各地域的绘画中普遍存在，就是史前期原始人在山洞中画的野牛形象，也属此例。画人像人，画山像山，画树像树，在古今全球各种“再现性绘画”中一般都能做到。但在世界艺苑中要找一种典型的，严格意义的“写实绘画”，还是近代500年来的“西方写实绘画”。这种绘画源于希腊古典时期的艺术精神，发端于1 4世纪的西欧，目标明确，形成体系。这种绘画色彩上的表现，不仅意图将客观物像描绘得准确无误，栩栩如生，并且意图在二维的平面(画面)上幻现为三维空间，而各种物体(不论有生的或
无生的)也幻现为三维的“立体”而罗列其中，看这种绘画，如同我们看窗户外面一片景色一般真实，或如清代邹一桂所说：“画宫室于墙壁，令人几欲走进。”西方美术术语中的“幻象”(illussion)一词，就是指这种手法。为了写实逼真和显现“幻象”，西方画家不仅孜孜不倦地从事创作实践，还得依据自然科学原理而研究许多技法理论，即明暗投影，人体解剖，色彩原理，焦点透视，空气远近法等等。另外，在1 4～1 5世纪，能粗能细，色彩丰富的油画技法渐臻成熟，更促进了写实绘画的发展。从1 5世纪到1 9世纪约5 00年间，西方写实绘画名家辈出，杰作如林，很光彩地在世界美术史中确立了地位。抽象绘画出现在本世纪之初而与传统的写实绘画抗衡，这是一种“激变”。但在“激变”之前却也有渐变或者缓冲的过程，那是在19世纪后半期。那个时期中出现了印象派。从文艺复兴到那时的400多年间，许多写实绘画的手法或课题，在许多大师手中已经运用自如，只剩下“光色变化”这个课题，留待印象派画家去深入探索，尽情发挥。印象派其实是西方写实绘画追求视觉真实感之合乎逻辑的发展，以艺术观而论，它仍然遵循着达-芬奇忠实摹绘自然的信念。但是印象派不重视历史故事等文学题材，着眼于表现光色变化而减弱了对于物像实体和细节的描绘，笔触疏 朗而富于节奏感，这种画风使渐趋凝固的写实绘画体系出现了裂缝。“后印象派”的三位画家(塞尚，凡．高，高更)出于印象派而一反印象派那种仍然忠实摹绘自然的客观态度，才真正向现代绘画跨进了一大步。他们的绘画艺术介乎写实与抽象两极之间，自具独特的价值，但也不妨说他们给本世纪的纯粹抽象绘画开辟了道路。 过去数百年中，西方画家由于忠实摹绘物像，并意图在二维平面上显现“三维空间幻象”，曾经利用光学器材“暗箱”(camera obscura)作为辅助工具。后来“暗箱”发展成为照相机，在19世纪后半期已普遍使用。照相机摄取自然景象和显现\三维空间幻象\，易如反掌，尽管不能完全取代写实绘画，却也引起许多写实画家们不小的震动和反思。西方写实绘画之所 以“盛极思变”，多半也由于摄影术的挑战。
对于过去数百年西方写实绘画来说，现代的抽象绘画可以说处处“反其道而行之”。例如，写实绘画主张忠实摹绘自然物像，抽象绘画却摈弃对于自然物像的再现；写实绘画在二维的平面上显现三维空间的“幻象”，抽象绘画却决不考虑这个课题。在写实绘画作品中，一般都有故事情节(西方评论家称之为“文学内容”)，就是在印象派，后印象派，乃至野兽派的作品中，也可以看到风景，静物，人物肖像和生活场面，在抽象绘画中这些却不见踪影。抽象画家将写实绘画中那些重要因素褫夺殆尽，当然并非意图“改造”写实绘画，而是要另起炉灶，别创新体。在抽象绘画作品中，起主要作用的是“笔道道”(线)，圈圈点点，色块，几何形体等“形式因素”，它们并非用于摹绘自然物像，而是直接诉诸观众的视觉而唤起心中审美情感的共鸣。画面是一个框架(一个有限的特定的空间)，在这个框架中，几何形体的种种不同结构，“笔道道”的势劲(force)，圈圈点点的疏密，色调的冷暖，都造成种种韵律感和情调，都寄托着画家的匠心，表现出情感的波动。在抽象绘画核心任务康定斯基的理论著作中，常将音乐原理比拟抽象绘画，甚至认为绘画应该完全音乐化。他的主张未必完全合理，但这种说法却可以帮助我们理解抽象绘画。 通过对20世纪部分艺术家、艺术流派的了解，并不是为了给出某一个好的或坏的评断。就色彩的学习和训练而言，印象派的创新在于追求对光的捕捉，后印象派的出现便完全改观，那种只忠实记录光影印象，缺乏内在情感而偏向客观，不具想象力，缺少叙事及文学性，同时抛弃对永恒性事物主题的追求。所谓后印象派其实就是想超越并扬弃印象派，艺术并不 局限于光影，平涂色块取代光照射下的立体面，主观的又重新被重视。这又为表现主义、野兽派开辟了道 路，想象力复活，超现实随之出现。构成的重现又引导日后立体派、抽象主义、新的或更新造型的萌芽。
在这过程中艺术家对色彩表现的形式及内容，是多方面的，从色彩在平面上的表现到立体、空间中的表达，从使用颜料到利用各种综合材料，使其色彩能够赋予最大能量的视觉传
达，从视觉的直觉重现到对色彩的感觉联想、错觉甚至幻觉都有很好的表现。汲取其中风采、智略、机灵，有利于创造性思维的开发和应用。