响乐即由此演变而成。
19世纪浪漫派作曲家，把序曲发展为一种独立的标题性管弦乐曲，世称音乐会序曲，如门德尔松的《赫布里底群岛》、《平静的海和幸福的航行》、《美丽的梅露西娜》，H.柏辽兹的《罗马狂欢节》、J.勃拉姆斯的《学院节庆序曲》和《悲剧序曲》，都是交响诗的先驱。 （五）交响诗
一种单乐章的标题交响音乐，脱胎于19世纪的音乐会序曲，强调诗意和哲理的表现。交响诗的形式不拘一格，常根据奏鸣曲式的原则自由发挥。交响诗的名称为F.李斯特所创，他认为“标题能够赋予器乐以各种各样性格上的细微色彩，这种种色彩几乎就和各种不同的诗歌形式所表现的一样”（《柏辽兹和他的哈罗尔德交响曲》），因此他把标题交响音乐和诗联系起来称交响诗。
R.施特劳斯称他的《唐璜》、《麦克白》、《死与净化》、《查拉图什特拉如是说》和《英雄的一生》为“音诗”，是交响诗的别名；西贝柳斯的某些交响音乐也用了这个名称。此外，音画、交响画、交响素描、交响图景、交响叙事曲、交响传奇曲、交响童话、交响幻想曲等体裁也属于交响诗的范畴。
中国的交响诗从内容到形式都具有鲜明的民族特色，描绘祖国的大好河山(如杜鸣心的《祖国南海》)，描述瑰丽的民间故事(施咏康的《黄鹤的故事》)、表现英勇的革命斗争（如瞿维的《人民英雄纪念碑》、刘福安等的《八一》）和歌颂革命英雄人物(如田丰的《刘胡兰》,吕其明的《白求恩》),是中国现代交响诗的重要主题。
指挥艺术的特点和原则
属于音乐本体表演艺术形态的指挥,既具有音乐表演艺术的一般特征:即音乐音响创造的时间性与听觉性、音乐表演形象展示的有声性与无形性、音乐表演审美效应的抒情性与想象性等;又具有区别于其它音乐表演艺术形态的典型特征:音乐演绎过程中的主导性和整体性、音乐音响创造流程中的间接性与中介性、音乐表演形态上的动作性与可视性等。这些构成了指挥表演艺术的基本特征。
原则：忠实于原作，就是要以认真的态度去正确认识原作，深入理解和努力挖掘原作，尊重和真诚地表达原作所要表达的基本思想、情感、精神、力量、风格和音响构思等，围绕这一目标进行艺术处理（二度创造）。艺术处理的层面亦包括对作者在进行无声创作时所无法尽善的想象、或在乐谱中无法详尽记录的细微之处进行选定、补充或修正。同时也包括指挥通过排练所听到的实际音响，发现乐曲中所存在的原作作者在创作阶段主观上并没有明确意识到的表现可能，赋予它更加明确的表达和强调。当然也包括指挥对作品的局部所进行的删减、添加和调整。
现场欣赏交响音乐应注意礼节
★准时：音乐场所提供的服务具有明显的时效性，迟到一分钟，演奏厅的大门
关上，就必须在外面等候恰当的时机才能入内，有时甚至要等到中场休息。 ★场内：对号入座，不携带易发生噪声的物品进场，进场后关闭手机等发声装
置；音乐会开始后，不在场内随意走动和大声喧哗， 还应避免酒后参加高雅
音乐会。
★照相：照相时不能使用闪光灯，以免打扰演奏者的尽情发挥。一旦有这种情
况出现，演奏者有权利选择退场罢演。 中间地带喜欢摄影的不少，请予以注
意。 ★着装：国外传统上要求是正装出席，目前也在变化中，结合我们的国情，很
多场合都做不到正装，那么大方得体，避免嘻哈风格和牛仔工装装即可。中间
地带自己的晚会都那么讲究，这种真正的公众场合就更应注意啦。
★鼓掌：欣赏交响乐作品或组曲时，不要在乐章之间鼓掌，因为对于篇幅较长
的作品而言，一个段落的结束，只表明情绪或速度的变换，并不是完全的停
止，如果拿不准何时鼓掌，就等别人都鼓掌了再说。全部作品结束时要鼓掌，
这是显示您具有欣赏力的时候，演奏者有可能因热烈的掌声而返场并加演曲目。
曲式结构的含义及结构图示
(一)基本含义： 曲式指的是（歌）乐曲的基本结构形式。
(二)一部曲式(乐段)：它是完整的曲式中规模最小的结构。可以由一个乐句、两个乐句、三个及三个以上的乐句组成。一般有比较明显的终止式，能够表达一个完整或相对完整的乐思。 (三)单二部曲式：它包括两个部分，每个部分都由一个乐段组成。在一般情况下，两个部分在音乐材料上均有着一定的联系。 A+B。
(四)单三部曲式： 由三个部分组成，每一部分基本上都是一个乐段。单三部曲式分为两种，第一种是有再现的单三部曲式(即第三部分是第一部分的重复或变化重复。 A+ B+A)；第二种是没有再现的单三部曲式(即第三部分不重复第一部分。用图式表示：A+B+C)。
(五)复二部曲式： 由两个部分组成，每个部分本身已经是 单二部曲式或单三部曲式，或其中一个部分是乐段，另一部分是单二、单三部曲式。
A(单二部曲式)十B(单二部曲式)；或：A(单二部曲式)+B(乐段)。
(六)复三部曲式： 由三个部分组成。它的第一部分已是单二或单三部曲式。第三部分往往重复或变化重复第一部分，因而第三部分被称为再现部。它的第二部分则往往和第一、三部分在音乐上形成对比，这一部分可能是单二、单三部曲式，也可能是乐段。
A(单三部曲式)+B(单二部曲式)十A(变化重复第一部分)；或：A(单二部曲式)+B
（乐段）+A'(变化 重复第一部分)。 (七)回旋曲式： 它由在曲式中占有首要意义的主部和各个不同的插部交替出现而构成。主部至少在乐曲中出现三次，插部至少有两个。因此，回旋曲式至少必须具有五个部分。
A(主部)+B(第一插部)+A（主部）+C(第二插部)+ A(主部)??A(主部)。 (八)变奏曲式： 由基本主题的最初陈述及其若干次变化重 复或展开(称为“变奏”)所构成的曲式，称为变奏曲式。
A(主题)十A'(第一变奏)+A''(第二变奏)+A'''(第三 变奏)??。
(九)奏鸣曲式: 主要由三大部分组成。第一大部分为呈示部，它包括主部和副都两个互相对比的部分(在主部与副都之间，有时会出现连接部；在副部之后，有时会出现结束部)。第二大部分为展开部，它把呈示部的音乐材料加以充分的变化、发展，以造成戏剧性的高潮。第三大部分为再现部，它把呈示部的音乐加以重复或变化重复。除以上三大部分外，在呈乐部之前，有时会出现引子，在再现部之后，有时会出现尾声。
（引子）=>呈示部{{[主部](连接部)=>[副部](结束部)}}=>展开部=>再现部{{[主部](连接部)=>[副部](结束部)}}=>(结尾)
(十)回旋奏鸣曲式： 可以把这种曲式看作回旋曲式的某种 变形。一般来说，可以用回旋曲式的结构图式来解释它。但是，回旋奏鸣曲式中又明显地具有奏鸣曲式的特征，如：第一插部在乐曲中具有类似奏鸣曲式副部的作用，第二插部(又叫“中央插 部”)明显地具有奏鸣曲式展开部的作用；乐曲最后还有明显的再现等等。
（引子）=>呈示部{{A[主部]=>B[副部](第一插部)=>A[主部]}}=>展开部{{C[中央插部]}}=>再现部{{A[主部]=>B[副部](第三插部)=>A[主部]}}=>(结尾) (十一)赋格段： 它是复调音乐中的一种比较复杂而又严谨的结构形式。它主要由主题、答题、对题、插句等部分组成。它要求主题必须在各个声部中依次出现。
古典音乐流派及其代表人物
古典年历表：
1550-1630 文艺复兴时期。 1630-1730 巴洛克时期。 1730-1810 洛可可时期。 1770-1800 古典乐派晚期。 1800-1830 浪漫乐派早期。
1830-1920 浪漫乐派中期、晚期。
1860-至今 近代音乐印象乐派（现代乐派）。 文艺复兴时期：
古典音乐的萌芽阶段，并没有留下什么传世名作。 巴洛克时期：
古典音乐的启蒙时代，那时的古典乐多从民族乐和宫廷乐发展而来。 特点：从歌颂上帝、赞美宗教转向世俗，面向人民，大胆地采用富于生活气息，富有戏剧性情节的题材；它摈弃了崇尚、宁静、清高质朴、禁欲的宗教影响，转而表现欢乐、明快、流畅、生动的世俗睛感；它突破了单纯的声乐体裁和
单调的技法，而代之以声乐和器乐等多样化体裁，尤其是复调音乐在这一时期发展到了成熟的阶段，出现了象巴赫那样的一批复调作曲大师及作品。
代表人物：大小加布利里，舒滋，巴海贝尔，普赛尔，库普兰，拉谬，巴赫，哼德尔，塔替尼，海顿，克雷蒙第。
洛可可时期：
洛可可，原意为“贝壳形”。一种建筑与美术风格。其特点为崇尚华丽和纤巧。这一时期上承巴洛克时期，下接古典时期。它并未形成一个流派，更谈不上在音乐史上有个洛可可时期。
古典乐派晚期：
古典音乐的黄金时代，很多重量级的乐神都在这个时期。
特点：有匀称的形式美，体现人类普遍的理想与美的观念，得到世人的普遍喜爱。讲究乐曲的结构严谨、形式完美、昔响和谐与逻辑严密。曲风大都淳朴、严肃、稳重，崇尚理性，而对情感的表现较含蓄内在，器乐曲多是无标题音乐。
代表人物：维澳第，莫扎特，贝多芬，胡麦尔，帕格尼尼，伟伯，车尼尔，罗西尼，多尼采蒂，舒伯特，柏林卡，门德尔松，肖邦，舒曼，李斯特。
浪漫乐派时期： 声乐开始锋芒毕露，歌唱家和交响乐团的完美结合造就了歌剧时代的来临。而在音乐之都维也纳，施特劳斯家族把古典音乐推向新的高潮！那时的古典音乐，就是现在的流行乐，老三巨头就是那个时代的猫王和甲克虫。
特点：作品倾向于以古代传说和神话、幻想故事为题材，或着重于生活现象的描绘、个人生活感受的细致体现。音乐着重感情的抒发和心理的刻划，而不象古典主义着重理性。注重音乐中的诗情画意，而对曲式结构则较灵活。
浪漫乐派常被分为初、中、后三个时期。属于初期浪漫乐派（1820-1850）的代表作曲家除韦柏和舒柏特外，还有贝多芬的晚期以及门德尔松、肖邦、舒曼、柏辽兹等；属于中期浪漫乐派的作曲家是：李斯特、瓦格纳、弗兰克、布鲁克纳、勃拉姆斯、柴克夫斯基等；被列为后期浪漫乐派的作曲家有普契尼、沃尔夫、马勒和理查、施特劳斯等。
代表人物：瓦格纳，威尔第，普契尼，老小施特劳斯，理查德.施特劳斯，澳芬巴赫，法兰克，德彪西，柴可夫斯基，比才，勃拉姆斯，圣桑，巴尔托克，德澳夏克，科达伊。
现代乐派： “现代乐派”这个名称是十九世纪未到现在的音乐艺术的各种流派的总称。古典音乐的改革时代。1950年后，面对现代流行音乐，摇滚音乐和电子技术的崛起，古典音乐王者的身份开始动摇。专业创作出现许多反浪漫主义的新流派。“xx主义”、“xx音乐”，名目繁多。
特点：总的趋向是从多调性走向无调性，以至否定乐音和音阶，只用自然音响，完全脱离古典的美学传统。
代表人物：斯特拉汶斯基，魏本，贝尔格，韦伯，马尔蒂努，普罗科菲耶夫，澳乃格，亨德密斯，奥尔夫，格什温，柯普兰，肖斯塔科维奇，约瑟夫.施特劳斯，梅西昂，凯吉，布烈顿，李杰提，诺娜，百里欧，布烈滋，史脱克豪森，喜多朗，班德瑞，雅尼。
民族乐派：
民族乐派的作曲家，与中、后期的浪漫乐派，处在同一个时期。它隶属于浪漫乐派的。只是由于民族乐派更加突出和强调本民族音乐的特点，它才单独作
为一种音乐流派。
特点：着重民族音乐的建立和发展。既具有本国民族音乐特色，又能表现本民族的性格、愿望和生活的音乐作品。
代表人物：巴技基列夫、居伊、鲍罗丁、里姆斯基.柯萨科夫、穆索尔斯基、斯美塔那、德沃夏克、格里格、西贝柳斯等。肖邦和李斯特则兼属浪漫乐派与民族乐派。
印象派：
印象主义音乐，产生于十九世纪末，是受向征主义文学和印象主义绘画的影响而出现的音乐流派。它力求摆脱浪漫主义的主观情感表现，追求和声化学的新发现。大量采用全音阶、教会调式及平行和弦，不和谐的七九各弦、叠置和弦，造成调性的迷离扑朔，旋律也趋向片断零散。在配器上力图精致纤细，调节着音乐丰富的明暗层次和浓淡色彩，在朦胧的光色中表现物体的气氛和情调。
特点：常取自诗情画意及自然景物等，以暗示替代陈述，以色彩替代力度，着意于表达感觉中的主观印象，并大量运用变和弦、平行和弦、全音音阶等。
代表人物：德彪西、拉威尔、杜卡、雷斯庇基。
摘要
一、 音乐的表现手段
它由旋律、节奏、节拍、速度、力度等要素组成。
旋律又叫曲调是按照一定的高低、长短和强弱关系而组成的音的线条。它是音乐的灵魂是塑造音乐作品形象最主要的手段也是向听众传达思想情感的重要方式。
节奏广义地讲节奏是一切协调、平衡和有规律的运动。在音乐中节奏指的是音的各种长短与强弱变化的不同组合。
节拍指强拍和弱排有规律的重复。节拍有不同的组合方式又叫“拍子”分为单拍子、复拍子和混合拍子。常见的单拍子有2/4强-弱和3/4强-弱-弱常见的复拍子有4/4拍强-弱-次强-弱和6/8拍强-弱-弱-次强-弱-弱。正常的节奏常常是按照一定的拍子进行的。
速度就是音乐进行的快慢。如慢板、行板、中板、小快板、快板等。快板易于表现热烈而激动的情绪中板易于表现从容不迫的情感慢板则显得平静而安宁。
力度音响的强弱程度。由作品力度标记决定并受节奏强弱规律的影响。音的强弱变化对音乐形象的塑造和音乐的表现起着重要的作用。 二、 交响乐队中的乐器演奏特征
交响音乐的发展与交响乐队的发展是紧密相关的。在18世纪初期交响乐队的规模都比较小一般只有十几个、二十几个人到了20世纪初它已经发展成为一个庞大而复杂的有机组织人数达到一百甚至更多所以现在交响乐团中的管弦乐队是在19世纪末才形成我们现在看到的配置。
管弦乐队的组成以乐队的物质构成、发音原理的不同而分为弓弦乐器组、木管乐器组、铜管乐器组、打击乐器组、其它乐器组。每组乐器各有搭配形成一个多声部的可以独立而音色又相近的体系。
弓弦乐组第一小提琴、第二小提琴、中提琴、大提琴、低音提琴