家胡佩衡、秦仲文、刘子久、陈少梅、惠孝同、溥松窗、吴镜汀、周元亮等，又都在20世纪50年代的新山水画改革中作出努力。岭南的“二高一陈”—高剑父、高奇峰、陈树人—深受革命思想的影响，对于绘画的革新也是不遗余力，他们吸收日本画的风格，融会中西，所写山水常以写生为基础，并表现许多现代生活中的事物，富有浓厚的生活气息，虽然他们的画自产生之日起就受到许多非议，但仍然在民国绘画史上有一席之地。
民国时期有一大批自海外学成归国的画家致力于国画的改良工作，他们学贯中西，以徐悲鸿为代表，提出了建立“新国画”的主张。但1949年新中国成立以后，以反映新生活为题材的“新山水画”在20世纪50年代最为流行。当时的的国画写生作为“新山水画”启幕的开场锣鼓，为国画在表现现实生活方面找到了摆脱旧法的途径，在此过程中，表现国家的社会主义建设和新生活成了“新山水画”的主题。傅抱石、李可染、秦仲文、钱松喦、关山月等都是这一时期的代表性画家，他们于20世纪50年代至60年代中期产生了大量作品。而集体合作和画幅巨大也是这一时期的一个重要特征。像黄宾、齐白石这样的一代宗师，仍然在传统的笔墨中创造属于自己的山水画风格，并影响着后人。而林风眠则依然在他的西学基础上构造自己的山水或风景。 二、中国绘画艺术的特点：
（一）、从创作理念来看，中国绘画讲究天人合一、心有万象、天马行空的创作方法和心态，并视此为作画的最高境界。“肇自然之性，成造化之功。或咫尺之图，写百里之景，东西南北，宛尔目前。春夏秋冬生于笔下。”很早以前的中国画论就有了这样深刻的阐述，可见中国画的起步就是一种比较高级的艺术。笔墨里渗透的是作者对人生的认识和感触，自然景物只是作者对人生的反思和认识的一种载体，他们的笔墨情趣并不受外界自然的束缚。寻找的是“蝉噪林愈静，鸟鸣山更幽”“千山鸟飞绝、万径人踪灭”独特意境，所以中国画追求的是神似。
（二）、从表现手法来看，中国画的造型手段是“线”。通过在创作中积累出的各种不同的“线”，抒写自己的胸怀，抒写心中独有的山川。“线”在中国画家的笔下有极深刻的含义，往往是将许多繁复的事物，仅仅通过几条富有生命力的“线”表达出来。无论人物画还是山水画，中国画家依靠“线”来塑造心中的形象，因此得以形成各种含义迥异的“线”，以及各式各样的皴擦。这里的“线”在作品中是极
其重要的一个元素，“线”应用的好坏直接影响一幅作品的优劣，因此，中国画家大都穷其一生追求富有生命力的“线”，有很多优秀的画家，就是因为他能成功的驾驭简单却含义无限的“线”，而成为大家。
（三）、在造型上提倡不拘于形似甚至“妙在似与不似之间”，是中国绘画又一突出特点。中国画的对形象的塑造是为了作者的抒情达意，所以中国画家敢于舍弃对象外在的形态，敢于为了强化作者感情的表达而进行一些恰到好处的艺术夸张。善于抓住对象本质特征以及神情的中国画家，以自己独特的艺术语言灵活的表现对象。同时也为了区别主次宾主，给人以充分的美的享受及自己情感的充分表达，他们将个性化的构图、装饰化的手法巧妙地结合在一起。所以，不拘泥于特定的时间与空间的构图布局是中国画的另一特点。有时候完全省略环境描写，大胆利用空白，突出主体，并借助观者的联想与想象去自由发挥。中国画的构图除紧密结合所描内容的“经营位置”之外，还讲求平面布局中的色、线、形的变化对比与呼应，虚实、疏密、开合、起伏、繁简、聚散的相生相应，这也是一个很突出的特色。
（四）、讲求笔墨是中国画的另一特点，所谓笔墨并不是用具材料上的笔墨，而是作者传情达意的的一种艺术技巧。中国画使用的是最富于弹力的毛笔，对笔触水分的变化反应最为灵敏的宣纸，形成了中国画笔墨变幻无穷的特点。所以笔法是艺术创作中最重要的艺术技巧，它的作用就是以不同的笔法墨法描写不同的形象，不仅表现创作者的思想与情感，也可以体现出创作者的个人风格。 （五）、以画为主，在一幅作品中加上诗文、书法、绘画以至印章的等艺术手段，也是中国画极为新颖的一个特色。它的形成过程很漫长，首先是提倡画中有诗，也就是追求画像诗一样的富有抒情味并且带有诗的韵律，也像诗那样的善于创造美妙的意境而做到“画外有意”“意趣无穷”，给读者以充分的回味与想象的余地。同时，这些又能表达作者的个性，体现与众不同的风格。这样经过几百年的发展和完善使得中国画成为了以画为主体并有诗、书、印相辅相成的一门小型的“综合艺术”。
第三节 西方绘画艺术的发展历程及特点 一、 西方绘画艺术的发展历程
（一）古典艺术时期的绘画
按照欧洲历史学家的划分，奴隶社会时期的古埃及、西亚、希腊和罗马艺术被称之为古典艺术。西方古典绘画的雏形指诞生于距今两万年前的旧石器时代的洞窟壁画等，如法国南部的拉斯科洞窟壁画和西班牙北部的阿尔塔米拉洞窟壁画。但真正标志着绘画艺术的出现是古希腊罗马时期。
真正意义的欧洲美术该从古希腊开始。雪莱曾在诗中吟道：“我们都是希腊人。”今日西方世界无处不遗存着希腊文明的传统。在西方文化传统中，希腊艺术是古代不可企及的典范，而在古希腊造型艺术中，最高的成就似乎是雕塑与建筑。西方古人以健康发展的人类童年那种天真幼稚又乐观自信的心态去面对社会，面对人生，面对世界，一方面视宇宙的基本结构是和谐、秩序、比例、平衡，并把它作为形式美的最高理想，构成主体内在的审美意象与在艺术传达中所形成的艺术形象的基础；另一方面又积极向外进取，崇拜寄身于其中的自然，在艺术传达中往往以对自然的真实模仿作为主体把握现实美的最高理想。二者交汇于具体的艺术实践活动中，使艺术的内在主体性与和谐、秩序、比例、平衡的表现形式融为一体，形成了西方古代艺术鲜明的特点。与此相联系，重视对客观事物形体状貌的描绘，偏重客观的精神——心理建构和艺术传达中物质媒介的建构，也就成了西方古代艺术家们比较一致的审美理想。
希腊美术的主要特点是无所不包的和谐与规律性，还有庄严与静穆。许多古希腊画家比雕塑家更名重当时。但当时的绘画早已随时间湮没了，我们只能借助文字材料和大量遗存下来的瓶画来推想绘画的发展，瓶画从公式化的抽象装饰性逐渐转向对清晰的人物动作和故事情节的描绘。古典时期开始像表现神话及传说故事一样来表现日常生活场面，并淋漓尽致地刻画人物的内心世界。到古典晚期更加侧重于人物性格的描写。在古希腊绘画的发展过程中，透视短缩法的运用起了很大的推动作用。到希腊化时期，绘画以风俗画、风景画和景物画为主，倾向于用更富有说服力的透视短缩法和明暗手法来表现对象。
罗马艺术是希腊艺术的直接继承和发展，它们共同奠定了西方文明的基础，成为西方文明的摇篮。罗马本身的艺术并不发达，但罗马人征服了许多文化艺术繁荣的国家，将那里的大量艺术品，尤其是雕塑和绘画当作战利品劫运到罗马，同时还把许多受过良好教育的艺术家、工艺师、工匠等当奴隶和人质集中到罗马，这就为繁荣罗马文化提供了优越的条件。据说当时罗马城人口只有6万，而劫得
的希腊雕刻艺术品却有几万之多。正如古罗马著名诗人贺拉斯所言：“被俘的希腊反使蛮族主人成为俘虏，她把艺术带给了粗野不文明的拉丁姆。”绘画艺术中这种写实、求真、讲究形似的艺术特色，这种内在主体性表现的方式与艺术传统一直影响到近代西方。对文艺复兴、巴洛克和新古典主义运动等影响是非常深远的。
（二）中世纪时期的绘画
中世纪是欧洲历史上的封建社会，由于封建思想和教会的统治，中世纪的文化艺术都带有浓厚的宗教色彩。因为基督教活动主要是在教堂，所以这一时期的美术和教堂建筑、壁画和雕塑装饰融为一体。 绘画主要是镶嵌画，在希腊罗马美术中，镶嵌工艺主要用来铺筑地面，现在被用来制作壁画，作为向不识字的教徒传播和灌输宗教信条的工具。这时期绘画的主要内容全部是圣经故事和人物，用以宣传教义，规劝世人服从神权和容忍上帝对现实世界的一起安排，做一个顺从的“上帝的奴仆”，实际上成为封建统治者的奴仆。从其形式来看，人物形象是超现实人世的，实际上是解释教义的一种精神符号，人物表情没有人性，显得呆板僵化，表现出一种远离尘世的圣者气息，在人物神态上有一种静穆的神秘感，有的形象夸张到令人感到恐怖，众多的这类形象布置在教堂内外，从四面八方造成一种令人震慑的非人间的世界。教堂装饰中采用彩色镶嵌画和窗玻璃画，这种透光的画面在白天的阳光和夜晚的烛光下摇曳闪耀不定，画上的圣像和五彩装饰图案，在光的照射下令人目眩神迷，这一切更增加了教堂内部的光怪陆离和神秘恐怖、非尘世的特殊效果，达到了基督教征服人心的目的。
中世纪时期的绘画可以分成早期基督教、拜占庭、罗马式和哥特式绘画四个不同的组成部分。其中拜占庭绘画对意大利文艺复兴绘画产生了巨大的影响。到哥特式时期，意大利画家从拜占庭绘画中蕴涵的希腊绘画要素入手，最先开始了对在平面上造成景深错觉的透视短缩法的研究，并表现出强烈的人文主义倾向，这种追求逐渐波及其他国家。但在美术家的兴趣转向探索视觉法则，根据自然来创作的时候，中世纪美术便告终结了。 （三）文艺复兴时期的绘画
文艺复兴是15、16世纪欧洲历史上一场伟大的思想文化运动。在文艺复兴运动的发源地意大利，则可上溯到14世纪。这个时期因新兴资产阶级发展资本
主义经济的需要，发生了一场提倡复兴希腊、罗马古典文化，以反对封建思想意识和基督教神学的伟大的思想解放运动，因而被称作“文艺复兴”。这个运动以意大利为中心，逐渐遍及全欧，促进了西欧封建制度的解体和资本主义的发展，人类社会开始向近代迈进。正如恩格斯指出的：“这是一次人类从来没有经历过的最伟大的、进步的变革。”
文艺复兴时期的美术也体现了以重视人的价值为核心的人文主义思想，美术家们的思想逐渐从长期的基督教神学的桎梏中解放出来，摆脱着中世纪的规范，从希腊、罗马的古典艺术中吸取营养；同时借助理性和科学的知识，勇于探索，力图在美术创作上开拓出新局面，使活生生的形象和场景反映在美术作品中，让它成为一种再现性的美术。在绘画领域中，他们通过实践和科学的探索，发明了透视法，解决了在平面上真实地表现三度空间的方法，尽力让二维平面具有三维空间感，并使立体人物活动在其中，从而实现古希腊人追求过的那种错觉性效果，让人们把美术品当成真实生活的写照，当成可感、可触、可知的事物。同时，改革了油画材料和技法，大大地提高了油画的艺术表现力，使西方绘画描绘客观对象的技巧得到了空前的提高，产生了波提切利、达·芬奇、米开朗琪罗、拉斐尔、乔尔乔涅、提香、扬·凡·埃克、勃鲁盖尔、丢勒、荷尔拜因等一批成绩卓著的画家。艺术家们的实践，体现着新的时代精神，适应了社会发展的要求，为近代美术创作的的繁荣打下了坚实的基础。
佛洛伦萨早期文艺复兴美术家吉贝尔蒂、多纳泰罗、布鲁内莱斯基在开创新道路、新风格方面，作出了更大贡献。布鲁内莱斯基并非画家，可他却对绘画发展作出了不可估量的贡献。他在线透视方面的研究成果，给新的绘画创作提供了科学依据。借助线透视制造真实空间的错觉，可以说是文艺复兴意大利美术家的共同特点。从马萨乔开始，要在三维平面上创造出三维空间的现实世界的假象，就成为西方众多画家孜孜以求的目标。绘画借助科学要同自然争胜了。在马萨乔利用透视描绘建筑、利用明暗刻画形体的作法上，不难看出这种追求。
在佛罗伦萨众多画家中，15世纪下半叶的波提切利是最有特色的人物。波提切利是在美第奇家族的文化人圈子内成长起来的画家，他曾师从利比学艺，把后者运用线条造型的手法发展成一种更优美、更抒情的风格。波提切利同那个时代的不少画家一样，也绘制了许多宗教画，但他最著名、最富个人特色的作品，