影片中虽然也有圣歌中飞舞的白鸽，但却少了那份一贯的诗意，它更象一部尚格·云顿的动作片。因此我们今天所看到的《终极标靶》并不是真正的吴宇森电影。 代表作:《断箭》
1996年，他接手20世纪福克斯公司的《断箭》。《断箭》最吸引人的就是饰演奸角的约翰·特拉沃尔塔模仿周润发的每一个动作，从玩世不恭的笑容到吸烟姿势，都极具神韵。同时，吴宇森设计的动作戏和各种细节令人应接不暇。
本片是吴宇森第一次按照美国电影的套路大展拳脚，此时他已真正把握了好莱坞动作片的命脉。 代表作:《变脸》 吴宇森在片中找到了东西方世界共同崇尚的那种“人道精神”和“家庭观念”，并着重刻画了女性角色的刚强和温柔，这一点百分之百地受到了女性观众的认可。
与以往处理人物的风格一样，该片的主人公亦处于正邪之间。片中约翰·特拉沃尔塔与尼古拉斯·凯奇，本来一个代表善、一个代表恶，但经过交换面孔后他们基本上成了同一个人的两种性格。
电影特点
他通常被称为“暴力美学大师”，实际上他的电影在暴力这层外衣下，着重描写的是人物之间的情谊以及人与时代的关系。他善于借物抒情，寓情于物，像在他电影里经常出现的“白鸽”，“教堂”都是美好的象征。
暴力美学
概念：“暴力美学”原指起源于中国香港，在日本发展成熟，后又传入美国的一种电影艺术趣味和形式探索。最通俗的说法就是，将暴力的动作场面仪式化。
吴宇森“英雄系列”影片的出现使得他以暴力为题材的影片不再被当成是“暴力影片”来看，因为他给全世界观众提供了一种审视暴力的全新视角——东方美学视角，第一次使暴力成为了一种“有意味的形式” 。 特征和内涵
展示攻击性力量，展示夸张的、非常规的暴力行为。
文艺作品中，暴力的呈现可划分为两种不同形态：一是暴力在经过形式化的改造后，其攻击性得以软化，暴力变得容易被接受；另一种情况是比较直接地展现暴力过程以及血腥效果，渲染暴力的感官刺激性。
吴宇森式“暴力美学”
1、吴宇森对暴力的呈现，并非是对残忍痛苦的夸张，也不是依赖现代高科技手段而形成的特异造型或者象战争片一样的宏伟场面。
2、吴氏“暴力美学”的精髓，在于将暴力作为一种审美对象加以抒情式的摹写。他将长镜头与视角多变的镜头剪辑相结合，在紧张激烈的动作场面中有意拉长时空，形成“动作场面的长镜头”。
3、他将以往动作电影中似乎并不少见的打斗、枪战和追逐场面重新打散，以超现实的方式重新排列组合，同时在气氛上极力加以铺垫和渲染，还常常喜欢配以古典音乐。 1、营造画面镜头的意境美感
《英雄本色》中，当周润发扮演的角色最后被乱枪击中时，慢镜头表现他身上的弹孔不断涌出鲜血，身体缓慢地前后摆动，就好象是一种奇异而优雅的舞蹈。
《喋血双雄》中“教堂决战”一场，激烈的枪战通过教堂里飞掠的白鸽、忽明忽灭的蜡烛和庄严的圣母像的渲染，气氛凄美华丽，更是成为吴宇森电影中的经典场面。
这样通过把视听造型刻意把影片营造成画面优美、音响丰富、色彩强烈的交响音画。使观众体验到的不是死亡的痛苦，而是暴力被“陌生化”后所形成的独特的诗意。 2、传达人性的光辉和伟大
在吴宇森的暴力美学中通过暴力动作的视觉场面向我们传递暴力的背后都折射出深沉的情感和醉人的人文关怀。
在《喋血双雄》中，周润发扮演的“小庄”和李修贤扮演的“李鹰”，二人惺惺相惜的那种感情早就已经淡化了影片的暴力色彩，这是一种暴力世界的浪漫。
正像吴宇森所说：“这是我最想用镜头来表达出的东西，哲学式的电影，骑士般的主角，也表达了我心中的理想。”
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吴宇森电影中的经典 1、“白鸽” ——表现暴力美学的一个重要符号
白鸽是美好事物的象征，它是一个淡化暴力的符号，这是将暴力转化为美学的一种方式。
白鸽在血雨腥风中飞翔，和平在纷争中展翅，鸽子不再单纯代表着暴力的美学化，而是寄托着一种暴力之中对暴力的鞭挞。 吴宇森展示暴力却不崇尚暴力所以白鸽就成了点睛之笔。 2、风衣
不论是在吴宇森的古装戏还是现代戏中，我们都能够看到那些宽大的，随风飘舞的风衣，即便是被子弹打得千疮百孔，但是通过镜头组接让他飘舞而产生美感，不但增强了画面的动感，而且更将暴力的血腥味道同化吸收，使之成为了暴力美学的一大特色 3、手枪
手枪是吴宇森电影里传统的道具，也是吴宇森电影的灵魂。他的电影里没有绝对的邪恶和正义，两者总是充满激情地交织在一起，枪在英雄手里捍卫着正义和尊严，哪怕是一支左轮手枪，似乎也装着千百发子弹，于是枪林弹雨中英雄和英雄的故事闪闪发光。 4、音乐
吴宇森的电影是可以用耳朵听的电影，因为有了音乐，暴力不再是血腥，人性的柔美随处可见。 吴氏暴力美学之杰作----喋血双雄
讲述了一个杀手和一个正义的警察之间所发生的故事，杀手很重情义，警察很重道义!在他们发生一系列事情之后产生了一种情谊，为了正义为了道义！一种对正义的伸张！男人之间的豪情，充满着一种英雄情怀！ 运用的手法
一、渲染暴力场面
1、对比——视觉效果
本片中多次运用了对比的手法来突出视觉效果，其中包括节奏对比、色彩对比和气氛对比。 2、杀人场面——华丽优雅的舞蹈性
把杀人的场面做的很艺术化、形式化和符号化，为此他总是通过剪辑、音乐、节奏、降格等几个方面入手把杀人的场面渲染的华丽优雅具有舞蹈性 二、吴宇森的符号
教堂、白鸽、圣像与烛光在吴宇森的电影中总会不时的出现或是为了渲染气氛或是为了变换节奏。 三、深层次的内涵
通过表层的暴力来表现出深层次的内涵，比如他的电影中总是充满着情谊，男人之间的豪情，兄弟之间的亲情等，情谊总是他着重描写的东西。 四、细节
冷色调是本片的主色调，背景始终都是冷冷的淡淡的蓝色而且片中许多的灯光采用的都是蓝色。 五、音乐
音乐总是有一种淡淡哀伤的情绪，但是却又非常好的配合了画面，使之本身就很有冲击力的画面更加丰富。
第四节：周星驰电影
一、周星驰电影演艺风格的演变 （一）探索时期
从1988年《霹雳先锋》的出道到1990年。 周星驰的表演沿袭了传统的香港电影风格，所拍的几部片子基本上是正剧。在剧中他并不是主角，所以也谈不上自己的风格。 （二）无厘头时期
1990年-1992年，第二阶段他开始尝试喜剧，并初步形成了无厘头电影的风格。
他的喜剧表演已具备了一定的个人风格。如最典型的大笑以及一些富有个性的俗词俚语的使用，同时一些肢体表演开始被引入至电影中。但在此阶段，周还是以一个纯粹演员的身份出现，没有更多的介入到剧本、导演等环节，自身的风格还没有完全定型。
1992年-1994年，第三阶段是从《赌圣》系列影片开始的。在这个阶段中，周星驰风格凸显，锋芒毕露，在各
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大影展中的获奖更是表明电影界对他的认可。
周在拍摄过程中，自己的表演基本上左右了影片的制作，其演艺事业亦由此逐渐进入颠峰状态，无厘头影片也基本定型。这一阶段他的代表性电影是《审死官》、《鹿鼎记》系列以及《唐伯虎点秋香》等一些为人所熟知的电影。 （三）转型期
这时期的周星驰已经不仅仅是满足于之前的那种无厘头式的创作，而试图在影片中融入更多的正剧甚至悲剧的成分，而使得其影片显得更加的多元化，不过可能观众更加熟悉的还是他的无厘头形象，而对于他的悲剧或正剧的演出有些陌生感。
这一阶段的代表影片包括《大话西游》系列、《喜剧之王》、《少林足球》等几部影片。他的影片越来越追求更深层次的喜剧表现形式，追求其文化内涵。 电影作品
在至今为止的华语片香港票房的TOP50排行榜中，由周星驰主演的影片就有《功夫》、《少林足球》等18部，占了36％，且在TOP20中周星驰有10部影片入围，这可以说是香港电影的一个奇迹，尽管他从影以来主演的影片只有大约50部。
1、《霹雳先锋》周星驰凭借此片获得1988年第二十五届台湾电影金马奖最佳男配角。李修贤和周星驰饰演的一警一匪在对付暴徒的过程中，产生了一段可贵的友谊。这是周星驰的电影成名作，但这部李修贤主演的影片几乎与喜剧无关，星哥的演技虽然青涩，但是整体还是可圈可点。 2、《赌圣》：周星驰原来被人称作“星仔”，此片一出，不过几天就被人称为“星爷”了。同时，星派演技被称为“无厘头”，一时广为人知。
《赌圣》放弃了赌局的设计，反而以描写小人物为主，从周星驰饰演的特异功能人士，藉以讽刺港人的功利心态等，另外，他还在片中首次从主角身上展现了一种执迷不悔的爱情，这也是周星驰后期作品中的最重要主题之一。 二、无厘头
所谓无厘头，原是广东佛山等地的一句俚语，意思是一个人说话做事都令人难以理解，没有中心，其语言和行为没有明确的目的，粗俗随意，乱发牢骚，但又并非没有道理。
周星驰将一些毫无关联的词语进行组合，使人莫名其妙，以达到搞笑的目的。透过其调侃、戏谑、玩世不恭的表象，直接触及事物的实质。 1、影片《无敌幸运星》：是一部公认的周星驰早期代表作，虽然风格上还有不成熟之处，但绝对是充分发挥“无厘头”演技的一部佳作。 该片动作的喜剧性很强，占据了笑料的大部分，尤其是最后船上的一段打斗，应该是周星驰影片中靠动作取得“笑果”的最佳段落。 2、《龙的传人》：李修贤执导拍摄的现代功夫喜剧，在周式无厘头逗笑表演将撞球技巧揉合功夫表演，创造出相当不俗的娱乐性。
3《逃学威龙》这部王晶制片、陈嘉上执导的校园影片再次为星爷赢得满堂喝彩，成为星爷又一部获年度票房冠军的佳作，更掀起了港台两地争相拍摄校园影片的热潮。片中的笑料和噱头也是极具创意，且个个经典而又不流于低俗。
4《武状元苏乞儿》本片又是周星驰的一部亮点之作，周星弛的古装片最让人捧腹，精灵搞怪的他把一个苏乞儿演得活灵活现，何况还有冷艳的张敏和同样搞笑的吴孟达做伴，难怪数年之后还有那么多影迷怀念星星的作品。 5《唐伯虎点秋香》： 本片展示了香港电影人颠覆古典题材的超凡想像力。在这部影片中，各种后现代手法层出不穷，无论是行为艺术绘画、现代打击乐表演、时装模特步态以及充满广告词汇的毒药介绍，再加上“面目全非 脚”一类的搞笑创意，原本斯斯文文的才子佳人戏被全面篡改，令人既兴奋又目瞪口呆。
6《破坏之王》全剧富有搞笑趣味气氛，述说穷小子阿银遭受欺负，但心中充满惩奸除恶的热血，决定透过习武来扭转现状，彻底摆脱懦夫的阴影。这部影片也是星爷现代题材作品中比较完整的一部，影片堪称“无厘头”表现的佳作。值得一提的是，此片也是星星首次尝试着协助导演，显现了出色的导演才能。
7《九品芝麻官》周星驰有的无厘头搞笑片只为博得观众一笑，并不强调十分严谨的逻辑关系，但《九品芝麻官》中搞笑情节的设置却是充满精妙的伏笔。故事内容前后呼应，令全片爆笑场面环环相扣，层出不穷。
《九品芝麻官》拍摄于周星驰电影事业的鼎盛时期，更加能够体现周星驰“无厘头”电影的功力。最重要的是，它充满了看周星驰电影时，观众最原始的需求：欣赏用笑料堆砌的有内涵的电影。 8、《国产凌凌漆》是由周星驰自导自演的喜剧片，讲述了由周星驰扮演的特工凌凌漆及袁咏仪扮演的特务与黑
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帮金枪人的战斗。 9《大话西游》：一部经典的无厘头喜剧片，将西游记重新演绎，整个电影挺热闹，以至于很闹腾，所以这部电影刚开始时并不是反应很好。
但是这部电影绝不是仅仅的无厘头，他更有真情在里面，所以首先在高校流行，然后在全国兴起新的高潮。 此外，这部电影还有对于时空的探索，借助于月光宝盒，穿越时空，去拯救自己所爱的人，其实这又未尝不是每个人的愿望，回到过去，去改变一些让自己抱憾终生的事情。这就是所谓的情之所至，所以这部电影经的起时间的考验，成为了经典。 10《食神》：本片是96年一部典型的贺岁片，也是星哥亲自上阵又编又导又演的影片，整个故事是个“得而复失、失而复得”的戏剧过程，给了星哥发挥演技的巨大空间，而且烹制佳肴美食的题材也适合星哥绝妙想象力的挥洒。
“根本就没有什么食神，或者说，人人都是食神。” 不学无术时骗得“食神”的称号，真正艺成悟道之后，却发现这一切都是虚妄。周星弛会有这么多的人喜欢他，正是因为他是一位平民英雄，没有莫测高深。
无厘头
无厘头至少包含三重含义：夸张、讽刺和自嘲。
无厘头基于草根阶层的神经质的幽默表演方式，利用表面毫无逻辑关联的语言和肢体动作，表现人物在矛盾冲突中所表现的令人意想不到的行为方式，往往滑稽可笑。
《喜剧之王》：周星驰的喜剧之王之所以是他最伟大的作品，原因很简单，就是因为他拍出了他自己。 在诸多无厘头、够疯狂、够恶搞的作品中，突然间插入了这么一部带有强烈的悲剧色彩的正剧，当时都没有人能接受，但是日子久了，星迷们就都开始竞相膜拜了。 三、周星驰影片的特征 1、无厘头
周星驰把无厘头语言和行为引入到他的电影中，成为他的一种极其重要的表现元素，并将其发挥得淋漓尽致。无厘头电影由此声明大振，在港台和大陆甚至东南亚刮起了一阵阵周星驰旋风，引起了很的大的反响。 无厘头喜剧电影的特征： （1）、对传统文化的颠覆与批判，充分体现这一特点的影片非周星驰的《大话西游》莫属； （2）、嬉戏、调侃、玩世不恭表象下的事物本质，反讽和模仿手法的运用反映了在文化转折时期，人们价值取向的变化； （3）、集体潜意识的迎合，无厘头喜剧电影迎合了香港人集体潜意识中反严肃、反凝重、反深刻，追求随意性、通俗性、世俗性的文化倾向，满足了不同职业、不同欣赏层次人群的观影要求。 2、历史厚重感的消解
周星驰电影的这个特点，源自于香港人对于历史的虚无意识。香港由于有着一百五十余年的殖民历史，因此也形成了其特殊的“殖民地文化”，使得香港人变得没有了归属感。例如：《鹿鼎记》、《唐伯虎点秋香》 3、“拒绝崇高”
在周的电影中那些崇高的东西常常被巧妙的化解，以一种低俗的面貌出现。例如：《九品芝麻官》、《鹿鼎记》
周星驰的十大经典影片形象
1990《赌圣》阿星———颠覆英雄 1991《逃学威龙》周星星———颠覆师生关系
1992《审死官》宋士杰———颠覆正义 1992《鹿鼎记》韦小宝———真实的市井小混混
1992《武状元苏乞儿》苏乞儿———颠覆名利 1993《唐伯虎点秋香》唐伯虎———颠覆才子佳人 1994《国产凌凌漆》凌凌漆———悲剧英雄 1995《大话西游》至尊宝———解构爱情 1996《食神》史蒂夫周———世态炎凉 1999《喜剧之王》尹天仇———另类自传
第十一章 中外美术片
第一节：美国动画赏析
一、美国动画片的发展史 （一）、1907～1937年——开创阶段
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1907年，第一部动画片《一张滑稽面孔的幽默姿态》由美国人布莱克顿拍摄完成，美国动画片史正式开始。 1928年，迪斯尼和他终身的助手伊瓦克斯合作创造了后来闻名世界的“米老鼠”的卡通形象。 （二）、1937～1949年——发展时期
1937年，迪斯尼公司推出了《白雪公主》，这在美国动画片史上是个史无前例的创举，继而推出《木偶奇遇记》、《幻想曲》、《小鹿班比》等动画长片。第二次世界大战爆发后，迪斯尼公司停止了动画长片的拍摄，直到40年代末期才恢复过来。 （三）、1950—1966年——第一次繁荣期
这个时期，迪斯尼公司几乎每年都推出一部经典动画片，如《仙履奇缘》、《爱丽斯梦游仙境》、《睡美人》等。其他动画制作公司在迪斯尼公司的排挤之下纷纷关门停业，迪斯尼公司成为动画电影业的霸主。 （四）、1967～1988年——蛰伏期
1966年12月15日，华特·迪斯尼去世，迪斯尼公司陷入了困境，美国动画业也进入萧条时期。
此时，电视动画逐渐发展起来，汉纳和芭芭拉是电视动画的代表人物，他们创作了电视系列片《猫和老鼠》、《辛普森一家》等。 （五）、1989年至今——第二次繁荣期 迪斯尼公司推出了《小美人鱼》，获得了极大成功，标志着美国动画片又一次进入繁荣时期。 这个时期的代表作品很多，如创造了票房奇迹的《狮子王》、第一部全电脑制作的动画片《玩具总动员》以及可以乱真的《恐龙》等。20世纪90年代末期，各大制片公司纷纷涉足动画界，使这一时期的美国动画异彩纷呈。 二、迪士尼动画公司
迪士尼全称为The Walt Disney Company，取名自其创始人华特·迪士尼，成立于1923年，总部设在美国加利福尼亚伯班克。 1、迪士尼其人
美国动画片制作家、演出主持人和电影制片人，1901年12月5日生于美国伊利诺伊州的芝加哥。他以创作卡通人物米老鼠和唐老鸭闻名。
他与哥哥罗伊·迪士尼（Roy Oliver Disney）创办迪士尼兄弟动画制作公司。 2、迪士尼动画
迪士尼的动画电影可以划分为迪士尼手绘经典动画(CLASSICS)、迪士尼真人动画(Live Action with Animation)、迪士尼计算机动画(3D Computer Animation)、迪士尼模型动画(Claymation Animation)、迪士尼电影版卡通(Movietoons Animation)和迪士尼录像带首映(Video Premiere)等类型。 迪士尼动画之最:
（1）世界上第一部全部对白动画片——1928年迪士尼绘制的动画片《蒸汽船威利》。这部动画片于1928年11月18日在纽约首映，也是第一次向观众介绍米老鼠这一著名动画人物。
（2）第一部宽银幕动画片——1955年制作的《小姐与流氓》(Lady and the Tramp)。 （3）第一部使用动画摄制机拍摄的动画片——1940年迪士尼摄制的影片《幻想曲》
（4）美国第一部动画长片——1937年迪士尼制作的《白雪公主》(Snow White and the Seven Dwafts)。 （5）花钱最多的动画片——1981年迪士尼制片厂拍摄的《狐狸和猎狗》
（6）著名动画角色唐老鸭第一次登上银幕——1934年的动画片《三只聪明的小鸡》。 （7）最受欢迎的动画角色——米老鼠 3、迪士尼动画之影片介绍 （1）《白雪公主和七个小矮人》(1937)
它已经远远超出了文艺作品的范畴，发展成为善与恶、美与丑道德规范的代名词。 （2）《美女与野兽》 (1991)
这部动画曾获得奥斯卡最佳配乐奖，主题来自格林童话的寓言故事。奥斯卡金像配乐大师阿伦·曼肯(Alan Menken)为音乐总监，歌坛天后席琳·狄翁(Celine Dion)借力一炮而红。 （3）《狮子王》 (1994)
灵感来自莎士比亚名剧《哈姆雷特》，影片通过描述小狮王辛巴的成长，探讨爱、责任和生命意义等严肃主题。其主题曲：《Can you feel the love tonight》也是脍炙人口。
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