得演奏所必备的乐感条件。实际上，大量事实证明：无论绝对的先天论还是绝对的后天论都是片面的。毕竟，人的大脑器官对于音乐的反应情况是有差别的。听到同一音乐片断，有人能浮想联翩，有人却充耳不闻；有人可手舞足蹈，有人却无动于衷。对于音乐具有良好的反应能力，只是具备了学习钢琴表演艺术所需要的某一方面的物质条件，而弹奏钢琴所需要的乐感，则是经过一定专业训练的、具有艺术价值的乐感。这种有别于自然状态的乐感既需要一定的天赋，更需要有目的的培养。
(三)在尊重原作的基础上进行二度创作
钢琴演奏是音乐艺术创作中一个独立的创造性的情感表现过程。在这个过程中起决定作用的是主体演奏者创造性的情感机制，而这种情感必然要通过一定的方式表现出来。
钢琴既然是“再创造”，就必须忠于原作，又必须强调演奏家个人的创新。二者不可缺一。要忠实原作，就必须认真地研究乐谱，正像导演和演员要认真地研究剧作家的剧本一样。如果对原作没有正确、深入、全面的理解，就不可能塑造出完美的、符合原作精神的艺术形象。
当然要研究乐谱上的音乐就要仔细的读谱。精确读谱也是一个十分重要的问题。准确的读谱不仅仅是弹对音符和数对拍子还要考虑各种音乐术语，各种具体的力度标记，这必然涉及作曲家及他所处的时代、风格等问题。因为时代不同、作者不同，即使在乐谱上记载下来的符号是相当的，而他所体现的意义，所要求的表达方法则是不同的。同是“庄严的”，巴赫的作品与贝多芬的作品就不一样，同是“强奏”，肖邦和德彪西的作品在演奏上的差异也很大。所以，研究作曲家的时代、风格等问
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题，绝不只是专门研究音乐史才需要的，对一切音乐表演艺术都是必不可少的课题。
法国音乐理论家皮埃尔·贝尔纳克说：“照谱纸上确定的符号发出音响是表演家首先要做到的事，他必须靠这些符号来理解音乐作品。因此表演家面临的第一任务是要把乐谱辨认清楚，以最大的注意力和精确的准确度，在音响中确切的表达出来。”钢琴是一种二度创造的艺术，认真分析研究乐谱中表情记号所要表达的丰富感情内容，是我们进行二度创作的首要任务。只要从一开始就认真精确地读谱，弄清作品中各种表情符号的意义和内涵，分析理解作品的基本风格情调以及作者的创作意图后，才能对作品做进一步的艺术处理。准确地读谱并不是机械地演奏作品，也不是不能对作品进行任何的艺术处理，那只会束缚演奏者的艺术表现力。对作品二度创作就是要求在作曲家创作作品的基础上进行再造，也就是在忠于原作的精神下发挥我们的艺术创造才能来进行二度创作，在严格中求得自由。既注意尽可能准确地把握作曲家作品的风格，又注意尽可能的发挥我们的艺术个性和特长，从而丰富再创造，使记录在谱纸上的音符和表情记号变成有生命力的具有强烈艺术感染力的音乐。
(四)要具备良好的演奏心理
上台演奏是生动的艺术再创造，是平日练琴的目的和结果。如果平日练琴练得好，上台演奏很有可能获得成功，反之，上台演奏就很难成功。这说明，上台演奏与平日练琴有着直接的联系。但是，也有这样的情况，平日练琴练得不错了，上台演奏时却一反常态出现了平日从未出现过的错误。
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上台演奏与平日练琴不同，在于它是直接面对听众，演奏者不仅要深刻理解音乐作品的思想内容，还要以具有说明力、感染力的艺术手段把听众带到音乐中去。在舞台上演奏与平日练琴不同还在于它的一次性，在音乐会上，一个演奏者要在几分钟或几十分钟内，把几个月甚至几年来刻苦练琴的成果体现出来。在听众面前 ，不允许像平日那样，把不满意的地方重复练习。这就要求演奏者平时一定要刻苦练习。在练习中，随着对乐曲理解能力的逐步深化和技术能力的逐步提高来树立演奏的信心。我在上台演奏时就没有信心，总是无法集中注意力，自认为在台下练得不错的乐曲，在台上却越弹越快，越弹越乱。因此，演奏者建立演奏的信心是最重要的，要对自己的演奏抱肯定的态度，有凌驾于一切之上的精神，这样的演奏才会形象鲜明，表现生动。
演奏艺术是再创造的艺术。演奏者是演员，他要根据不同的时代、作曲家、作品风格、情绪创造不同的角色(不是具体的角色，而是不同的乐曲音乐形象所要求的不同情绪：庄严、悲哀、活泼、抒情??)。在台上要表现乐曲中塑造的音乐形象，这样才能把听众带到音乐中去，如果我们希望别人能够被自己弹奏的音乐打动，首先要自己被音乐打动。拉赫玛尼诺夫说：“心灵是音乐中无法用力度记号来表达的最高级表情的源泉。”音乐是表达情感的，演奏者要有灵感，否则你的演奏尽管技术上是完美无缺，也只是干巴巴的手指的操练。当演奏者投入音乐时，就有可能排除不必要的杂念，创造性得到充分的发挥，有时还可获得平日所没有的灵感。
演奏者在上台演奏时，由于环境的变化、心情紧张，心跳、呼吸会加
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快，速度往往会偏快，而正确的速度很重要，它常常影响演奏的效果。演奏者上台前几分钟可用鼻子深呼吸几次，要定一下情绪，演奏快速的乐曲或乐段特别要沉住气，可以稍稍放慢速度，这样在实际上得到的是和平日相等的速度。
音乐是表达情感的，同时它又是一门老老实实的学问，这要求我们平日练琴时必须老老实实，不能有丝毫的侥幸心理。在台上演奏除了老实的态度外，还要有灵活的精神，要善于发挥长处，掩盖短处，万一出现了一些失误，这时候，我们要冷静沉着，随机应变。
三、钢琴音乐的表现与技巧
钢琴在全世界拥有无数的倾爱者。有的在工作之余，弹奏几曲来舒展自己的身心；有的在烦恼之时，借琴抒发内心的情感；还有许多父母则以习琴来培养自己孩子的情操和开发智慧；至于一些以钢琴为专业的有志士，更以琴为伴，天天锲而不舍地苦练，期望成为一位钢琴家。
钢琴具有一种无形的魅力，具有使你愿为之而献身的巨大力量。当然首先要感谢那些伟大的作曲家孜孜不倦的耕耘，谱写出许许多多感人肺腑的传世佳作，为钢琴增添了极为辉煌的生命力。钢琴是极具表现力的乐器，它可以弹奏出如交响乐队般的音响效果，享有乐器之王的美誉。然而要演奏出如此辉煌的音乐来，没有高超的技艺是不可能的。
音乐依靠于技巧来表现，有赖于技巧的发挥来揭示它的内涵，如若离开了技巧手段，表现音乐就是一纸空谈。反过来，技巧离开了表现音乐这个目标，也就失去了存在的意义。技巧只有在为实现崇高的为艺术表演为目标服务的时候，才显示出它的意义和价值。
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音乐与技巧是相互依存的关系，二者缺一不可。有良好的对音乐的理解与感受，并有很好的表现意欲，但没有过硬的功夫，手指头不能得心应手地胜任音乐演奏的技巧需要，实现表达音乐目标的意愿只能落空。同样，只有辉煌的技巧，既缺乏对音乐的理解，又缺少对音乐的感受，演奏起来达不到感人的艺术效果，没有艺术生命，技巧成了无本之本，无用之功，它还有什么意义呢？所以说二者同等重要，相辅相成，不同阶段，要演奏不同的作品，也正是如此，证明了音乐与技巧的相关依存的关系。
表现音乐是目的，技巧是表现音乐的手段。手段为目的服务，技巧应服从于表现音乐为目标的需要，这二者是从属的关系。美籍波兰钢琴家霍夫曼说过：“现代技巧中有种令人遗憾的倾向就是技巧本身变成了目的。”“任何时候，只要它本身变成目的，并纂夺了真正的目的——音乐内容的地位的话，就应当把它消除掉。”
作为一首艺术作品的成功演奏，音乐表现有着决定性意义是不言而喻的。可是，当音乐表现受到技巧局限而不能得到完美体现时，提高技术能力、完善技能、技巧就成为首要的问题，这个时候，技巧成为两者关系中起决定作用的因素，它的地位亦上升到两者关系中第一位的重要位置，这种转化关系在教学中尤为多见。因为学生的技能、技巧与音乐表现的发展经常出现不平衡。例如，一个学生手指跑动技术还有漏洞，八度技术尚未掌握，在技术上不能胜任作品的时候，要求他把肖邦艺术性的《革命练习曲》的音乐内容充分表达出来，或仅仅以音乐的内容、情感和艺术气氛启发他，而不在技术难点的克服上给予帮助和指导的话，
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