的内容，而是设计环境、空间、框架，让观众能够参与其中。同时，网络艺术传播打破了以艺术家画商（画廊）收藏家为主的旧式艺术流动模式。马克思指出：“活动和享受就其内容或存在方式来说，都是社会的，是社会的活动和社会享受。”广大群体的参与是网络艺术走向世界的基本力量。艺术在开放的历史条件下，需要通过网络传播的各种途径和方式进行世界性的对话与交流，作为世界范围的受众群体，对艺术的需求层次、角度、指向是多种多样的，这就要求我们的艺术传播者在对外传播过程中，建立多角度、多层面、全方位的传播理念。但是，网络时代的艺术传播面临着严重的困境却是不争的事实，无论是从宏观的角度上来说，还是从微观的层面上来分析，都不难发现这种困境的种种表现特征。
从宏观角度上来说，任何国家、民族的文化发展趋向都包含着两种文化因素：一种是传统的民族文化因素，另一种是超越国界、地域、民族的属于全人类的共同文化因素。这两种文化因素在网络时代的艺术传播过程中生成了对立统一的动态系统，一方面是民族艺术同世界艺术形成相互影响、渗透、融合的态势；另一方面是表现出了世界艺术与民族艺术的对峙、抗衡和撞击。
全球的广播、电视、电影、光碟、有影响力的报刊、Internet网络等，都脱离不了或多或少的寡头操纵，这是较为落后的地区和国家的本土艺术难以与其抗衡和竞争的。在网络时代的艺术传播中，艺术交流的地理距离消失了，但在这种消失中，众多的处在第三世界区域的艺术则逐渐地被分化和边缘化。西方艺术强势传播送来了“特洛伊木马”，隐藏在其中的西方价值观借助Internet来进行强势渗透和扩张，给第三世界区域的艺术都深深打上了西方艺术殖民精神的烙印。如果说科索沃战争是西方的硬性颠覆，那么西方艺术传播的价值观、生活方式和行为方式的潜移默化渗透，也就是一种软性颠覆。这种渗透和颠覆，给不同形态的艺术交流蒙上了阴影，在给人们增添新的忧虑、孤寂和彷徨的同时，也给不同形态的艺术冲突平添了几分不安的筹码。对于蕴藏着西方艺术理念和价值观的西方艺术，无论它的正负影响效应如何，都将会与形态、性质不同的艺术发生冲突，并在被传播的地区和国家挑起紧张，其程度有时还会是激烈的，也可能使得被迫接受的国家自身的艺术也在西方艺术的强势渗透与扩张下逐渐地被淹没。 从微观层面上来具体分析：
一、网络时代的艺术传播常常制造一些艺术泡沫，别有用心地设置一些陷阱。
在当今的Internet还缺乏有效监管的情况下，它在给人们带来自由和便利的同时，却又成为一些人的无聊情绪的发泄场所，使本是纯洁的电子媒体产生一种狂野的精神污染。多彩斑斓的网络世界令众多的人们身陷其中而难以自拔，他们从懒得正视现实世界，变得无法正视，最后不得不逃离现实世界。在这群人当中，许多人的内心渐渐走入孤独，他们自身的全部情感、全部的喜怒哀乐都寄情于虚幻的网络世界中，从而成为令人难以接纳的“网络植物人”。如何使这些人的心灵重返现实世界，如何避免更多的人变成“网络植物人”是当今我们必须正视的问题。这些需要社会学家全面介入网络艺术世界，同科学家和艺术家们一道全面探究“网络艺术”这一新生事物将把人类带向何方。
二、艺术在网络上的遭遇可以简单地以四个字来概括：虚假繁荣。
现在艺术在网络上的现状真相是：无论是艺术家，还是公司，还是参与者，都是虚情假意地在网络上鼓噪网络艺术，但是，谁也不愿意把真的东西放在网络上。艺术家不通过网络原创，公司不通过网络发行，而参与者不通过网络消费艺术品。在美国和欧洲，大量的年轻的艺术工作者都会选择通过网络来发表自己的作品，因为网络没有门槛，你不用和出版商、拍卖行、唱片公司什么的做许多你不喜欢、无聊的的公关活动，你可以轻易地、无成本地发行自己的作品，然后坐在家里等待伯乐上门。但是，有太多的人成名之后就“洗脚上岸”，不再借助网络，因为只有传统的发行方式才能给他们带来真正的名誉和财富。 三、网络技术带来的问题导致了艺术水平的下降。
网络媒介的优势之一是其高度的综合性和多媒体处理能力。但信息的高度图像化和直观化也会导致用户逻辑思维能力的下降和思维的凌乱，网络将使这种倾向更强烈。现代网络大众传媒所表现的标准化、单一化、程式化的思维模式，往往只是告诉人们事情的结果是什么，而无法使人们对过程进行思索，无法知道解决问题的过程。这无疑将削弱人们深层次的思考，从而在一定程度上，导致艺术水平的下降。 同时，网络艺术的无限度复制和瞬时传播的特点，也极大地降低了艺术作品的价值。因为复制技术涉及的主体越多，艺术作品的影响反而越小。原真的东西越来越多、越来越频繁地被复制品取代，人们可以
将数字化的艺术作品任意放大或缩小，也可以任意使其静止或运动。正如本雅明所说，大规模的机械复制使艺术作品中独一无二的韵味丧失了，至少是减少了。网络艺术的无限度复制和瞬时传播的特点，使网络艺术作品沦为一次性消费的艺术产品，容易复制降低了艺术品的艺术价值，瞬时传播艺术品过目即忘。同时，艺术作品数量日益增加，寿命却日益下降。现代科技的进步，创作手段的便捷，使艺术创作变得容易了，加上艺术品的大量的无限度复制，产生了大量的艺术赝品、艺术垃圾。 四、 网络艺术领域尚存在版权问题。
到今天，网络艺术更使艺术进入下载时代。只需用鼠标点菜单“选定”栏，再点击“另存为”，敲击一个新的文件名，就能将达·芬奇的《蒙娜丽莎》存进个人电脑的硬盘，需要时再随时调看，或者打印出来。数字复制技术使艺术品面临更为严重的盗版威胁。个人性盗版已成为轻而易举的个人行为，这给知识保护带来新问题，从而导致当前基于网络的艺术创作面临着一些固有的限制。由于大师级的原创作品很少在网络中出现，从而使网络艺术作品的品味难以提升。进入网络时代，人类的艺术交流藉信息高科技的发展推动而得到了空前的扩大，各种形态的艺术有了更充分的对话机会。在这个时代，任何一个民族都不可能再回到封闭的环境中生存与发展。仅仅与自己对话是远远不够的，仅仅用传统的方式进行对话也是远远不够的，必须学会调用一切方式、一切手段的方法来从全人类的思想艺术宝库中吸取艺术营养，获得艺术创造的灵感，以推动人类艺术的健康发展。
从这个意义上来说，正视网络时代艺术传播所潜伏的危机，则是克服这种危机的前提条件。
设计师与作为商品的服装设计
韩江红
服装设计是一门实用艺术。服饰是借助物质手段直接美化人自身的实用艺术品，它与人们日常生活很密切。随着人类的生存与繁衍、社会的演变与发展，服装也经历了一个漫长的过程。正如包装设计是对所包装的物体的美化，室内设计是对居住环境的美化，服装设计则是对人体的美化。服装除了美化人体，表现人的精神风貌以外，还有商业性的特点。美的服装不单纯是可供鉴赏的艺术品，它还是一种具有实用价值的商品。服装设计的成功与否，首先要通过实用来验证，设计者需考虑服装保护生命、利于活动的功能，以及便于穿着、便于制作等因素。此外，作为商品投入市场时，设计师还负有把握顾客心理、引导消费和扩大销售的使命。也就是说服装设计在追求个性化的同时，更应该注意商业因素，也就是说经济效益。设计出适销对路又有品位的产品，相对每个设计师而言都不是简单的事情，单凭个人喜好个人风格的发挥是远远不够的。服装的商品化对设计师提出了很高的要求。
首先，商品化要求设计师摆脱“艺术家情结”，全身心地投入对顾客的取悦。要设计师来迁就取悦消费者对很多敏感的设计师来说是一件痛苦的事，痛苦并且是常常吃力而不讨好。我们的设计师在艺术院校的求学生涯中，无时无刻不受艺术气息的熏陶，想当艺术家的潜意识一直伴随着他们。于是他们在设计的时候，艺术家轻功利重表现的欲望常常会不知不觉地钻出来。这种时候，他们往往忽略了一点：服装设计是以赢利为目的的。服装设计师中，巴黎高级女装的大师们是最接近艺术家的，但他们也要做成衣，还要搞品牌租借，要开专卖店。即使在做高级女装系列时，他们也要首先考虑顾客的爱好。对很多公司而言，只要能大量销售能赢得利润的设计就是好的设计和成功的设计，卖不出去的时装就是失败的设计。 市场经济的时代，对设计师而言，买家就是上帝，他们会精明地捂紧自己的口袋，耐心十足等待心目中的精品出现，而不是像六十年代以前的欧洲女性在名店里疯狂大搜购。设计师希望消费者买他们的作品，他们就要学会以消费者的眼光来看服装。审美是主观的，设计师又是有强烈个性的，他们当然想设计出自己喜欢的东西。另一方面消费者也各有其嗜好、偏爱和趣味，消费者只采纳他们认为美的东西。在现代环境中长大的消费者自小就会从多若繁星的服装品牌中觅求知音，他们会习惯穿某一类风格的服装，他们有
自己的一套服饰价值观，不会轻易改变。在这样的背景中，设计师应该做的就是体验生活。设计师应该去了解某一消费群落的生活方式、衣着习俗、穿着环境，在设计上去除艺术家心理影响下的单纯的标新立异，让消费者认同你的设计。
事实上，将纸面上的设计变成货架上的服装再换成银柜里的现钞远比在电视里做秀来得困难得多。消费者一旦认同设计师的设计，也就认同了设计所表达的品牌形象，也就认同了品牌所代表的一种生活方式，一种文化体系。设计师就可以成功地通过这种认同来带动流行，引导消费。这就是所谓的品牌意识。设计师的舞台在市场，只有在那里才能真正体现其价值。作为设计师是很实际的，首先，你要同你所服务的企业、品牌和消费对象，同你个人的设计风格达成默契，找准市场及产品定位，再以设计师的风格来带动品牌，把最新的意识和国际流行时尚同国情相结合，有机地溶入自己的设计之中，起到引导市场带动潮流的作用。
将自己的设计都变成实实在在的服装是每个设计师的愿望。要实现这一愿望不仅要有设计上的天赋，更要有做俗物的精力和产销必需的财力，于是，找投资成了很多设计师心中的期待。这就牵涉到服装生产厂家和经销商。绝大多数设计师的构思必须依靠他们来实现，那么，在企业眼中，设计师该是什么样的呢？ 首先，设计师要有一定的设计技巧，能表达自己的设计。设计师的设计不仅是给自己看的，更重要的是把设计推销给别人。这也是服装有别于其他艺术的一大特征。设计师作为一个品牌的策划者与组织者，他的作用是一名导演而不是演员。在企业中，设计是龙头，一切围绕设计出发。与设计师相关的因素很多，如计划制定、面辅料供应、价格及促销售方案等。即使一个环节搞不好，也会影响到设计。这就要设计师不仅仅具备画几张稿子的技巧，还应全面了解掌握风俗习惯、心理学、美学、数学、市场学、材料学、销售学、公关学等等。
服装厂商固然会出自广告和促销的目的对电视和杂志报纸上的设计师敬慕尊重，但他们更看重设计师将设计搬上货架的能力，而这就需要设计师除了有一定的设计技巧之外，还要有敏锐的洞察力。从某一角度看，设计师的流行眼光比设计技巧更加重要。为什么我们的服装就是比不过人家呢？除了生产和营销的体制方面问题，关键在于设计师的流行眼光，确切的说，是设计师对流行的态度。如果像以前那样，坐在办公室闭门造车，只画几张稿子，已不适应当前的发展了。设计师大量的工作是在“看”，要跑市场、逛商店、要去国外考察，要参加各种专业博览会展示会，这样才会有更高更开阔的视野，才会有创意有思路。设计师要学会创造条件，实现自己的设计 。
时装毕竟是从俗的，它不是古董越老越值钱，它必须走出“叫好不卖座”的尴尬以实用的方式得到大众的认可。聪明的设计师应该能找到时尚艺术与流行实用这对矛盾的切合点。设计师要能将实用装放置于设计的首要位置。服装业是竞争特别激烈残酷的行业之一，在如此功利的环境中服装商们自然希望设计师能有功利的产出，利用实用服装赚取利润。其实，在巴黎，以高级女装为思想库而靠成衣销售为主要经济收入早已不是什么秘密。设计师在背靠文化的同时，要面向市场，了解市场对象，才可以确立商品观念，不然设计的作品可能变成陈列品，丧失了经济效益。
优秀的设计师并非产生于学校，学校只能为社会提供各种人才苗子。要想成为优秀的设计师，只有具备了成为一个设计师的基本素质之后，不放弃在竞争的市场中磨炼自己，努力提高自己的设计水平和经营品牌能力，不断积累经验。那么，造就一个成功的优秀设计师是不会遥远的。
形形色色的创造思维（十四）
——让音乐再显神奇
吴继新
生命，对任何人来讲无疑是最珍贵的，因为它给予我们只有一次的机会。
可是人生难测，在人生旅途中人人都会碰到艰难和坎坷，甚至巨大的灾难或遭遇沉重的打击。除了不可抗拒的自然灾害和自然死亡外，按理我们没有理由不珍惜宝贵的生命。但世界上每天、每分钟都在发生着不幸的自杀事件。自杀不仅给个人、家庭、亲人造成巨大的痛苦与损失，而且也给他人和社会造成不良的负面影响，从而成为各国严重关注的社会问题。我国不少地方正建立自杀干预中心和开通了各种心理热线和网站，帮助那些身陷绝境试图结束自己生命的人，重新燃起生存的希望。我们完全可以相信，只要自杀者觉得这世界上还有真情，还有关爱，他们就不会觉得自己孤立无援，也就不会选择结束自己生命这种极端的方式。
用音乐来催产牛奶、鸡蛋这早已不是新闻，最近有二则报道又赋予音乐新的创意和功用，即用音乐降低地铁自杀率，用音乐减少地铁犯罪率。一是汉城地铁管理当局采取了新的举措启用背景音乐，以期降低近年来在地铁发生的逐年上升的自杀率。每当来往的地铁列车呼啸而过后，站台上立刻响起令人赏心悦目的名曲，如贝多芬的《致爱丽丝》和班伊金的《站在我这边》。音乐过后，一名男性播音员用布道般的声音开始广播：“亲爱的乘客们，让我们再次想念我们所珍爱的父母和兄弟姐妹吧。”
汉城地铁管理当局希望这些音乐和告诫能够减轻乘客的压力，以减少在地铁站自杀的人数。由于债务、失恋、患不治之症和其他不幸遭遇，2002年有58人在汉城地铁站自杀，而2003年这个数字上升到95人。2004年到5月份，已有37人以同样的方式结束了自己的生命。
韩国国家铁路公司的官员任忠赫说：“我们为自杀数字迅速上升感到震惊，‘音乐疗法’的目的是为了抚慰欲自杀者的心灵。”最近地铁自杀案件的激增，令许多韩国人感到震惊，因为公共场合自杀行为是非常罕见的。正因为如此，它对公众和社会的负面影响就越大。从6月份起地铁站开始播放76支曲子，专家称这能使“一时冲动想自杀”的人三思而后行。这种音乐疗法预防自杀的创意能否收到效果，我们期待一年后的实践检验。
另一则报道则是经过实践检验而成功的例子，纽约市市长朱利安尼，被认为是有史以来最具“创意”的市长，他只花一年时间就使纽约犯罪率最高的中央地铁站的发案率下降了33%。
朱利安尼调整了全站的背景音乐系统，开始24小时不间断地播放莫扎特的典雅梵音。据《纽约日报》报道，正是这些不绝于耳的莫扎特贵族音乐，彻底摧毁了地铁站原有的暗昧、混乱的“犯罪空气”。那些吸毒贩毒的也堵不住耳朵，在莫扎特的音乐中似乎也觉得浑身不对劲；强悍好斗的黑帮老大们更是觉得无趣，在莫扎特的音乐里聚众械斗，无论怎么喊冲杀也痛快不起来。久而久之，中央地铁站的闲杂人等变得越来越稀少。
从以上报导可以看出，解决各种各样的问题，可以有各种途径和办法，像自杀和犯罪这样一种个人原因、社会原因都极其复杂的现象，不可能有一种方法能够解决这个问题，而且也是不可能根除的。但如果在预防自杀方面，每种办法都能有效地减少一部分人的自杀或犯罪行为，加起来就是很可观的数字，就可以留住许多活生生的生命，就可以在一定程度上保障社会的祥和与安宁。况且有些办法或创意是不需要花费很大的投资和人力物力的，音乐疗法的上述两种创意就是例证。
王笃芳木雕艺术之路
杨成寅
“羡君刀笔开生面，枯木变化作神灵。”这是著名学者南怀瑾先生书赠给王笃芳木雕艺术大师的两句话。
说明王笃芳木雕艺术作品在一位学者、诗人、大文化人心目中的地位和价值。“开生面”，可以理解为作品具有独特的艺术风格；“作神灵”，应解释为艺术形象生动传神；“变化”，似乎在说明艺术家意匠的深刻和技艺的“鬼斧神工”。这两句既像散文诗、又像对联的句子，虽然就只那么十几个字，倒很能说明王笃芳在木雕艺术上已经达到的高度成就，所以抄来为不像序言的序言开个头。
一、 艺术大道
谈起王笃芳大师的木雕艺术，我首先想到的是，他在木雕艺术的学习、深造和创作上，一直走在一条宽阔的大道上。
每次遇到笃芳，总是会看到他那讨人喜欢、信心十足的笑脸。笃芳是幸福的。他生长在我国黄杨木雕的发源地，以他的父亲王凤祚先生为祖师的王家黄杨木雕学派，在半个多世纪以来的黄杨木雕的发展中，一直处于举足轻重的地位。我总觉得，也多次谈到，好像有一个“王家木雕艺术学院”存在，王凤祚先生是这个“学院”的第一位院长，其长子，全国工艺美术大师王笃纯先生是第二位院长。这个“学院”数十年来培养了一批又一批木雕艺术家。其中和我相识的，就有王笃纯、高公博、王和英、郑胜宁、王笃芳、王笃清、王京等。他们各自在木雕艺术中都取得了可喜成就。有的还是国家级或省级的工艺美术大师。我国著名漫画家、全国美术家协会的领导华君武先生，曾于1990年给王笃纯写了“木雕艺术世家万岁”的题词。这也可以说是对“王家木雕艺术学院”存在及功绩的肯定。王笃芳从小就在这个“艺术学院”或“艺术世家”中获得艺术的丰富滋养而得以在木雕艺术上健康成长。
王笃芳到今天之所以能够在木雕艺术上取得重大成就，具有强大的艺术发展潜力，我认为首先归功于其父兄的辛勤得当的培育。
笃芳的父亲王凤祚先生，早年曾从民间雕塑匠师黄顺寿、朱子常学习传统泥塑木雕，在传统雕塑艺术的技法和民族风格上打下了坚实的基础；五十年代，他被调入中央美术学院华东分院工艺美术创作室和民间艺术系担任创作和教学工作，开始借鉴西洋雕塑艺术的某些长处，弥补民间雕塑的不足，致使他在雕塑艺术上得到很大的发展。那时候，王凤祚创作了《苏武牧羊》（黄杨木雕）和大型木雕《毕升》等代表作。在《苏武牧羊》这一作品上，王凤祚成功地运用了简练、朴素的艺术手法，把苏武这个具有民族气节的历史人物刻画得极有力度和深度。面对这一作品，观赏者想象得出，在漠北漫天的大风雪中，苏武仰望南天故国，紧握天子节；三只绵羊依偎在主人身旁，在构图上形成一个稳定而不呆板的三角形。整个作品表现出苏武崇高的、大义凛然的民族气节和绝不动摇的爱国精神。《毕升》是应中国历史博物馆之约而创作的大型木雕历史人物肖像作品。匠师在此作品上，兼用中国传统雕塑和西洋雕塑的技法，按照严格的解剖、比例并运用比较概括简练的手法，来处理人体造型、头部肖像和衣纹，创造出来了既真实又具有民族气派的雕塑形象。在这些作品上，王凤祚先生立足民间传统工艺的基础之上，多方面地吸取了西洋雕塑的严谨的造型、写实的衣纹掺入劲健的刀笔之中，突破了传统黄杨木雕固有的手法，从而给人以强烈的新感受，达到突出主题，深化内涵，增强艺术感染力之目的。在漫长的一生中，王凤祚先生留下来了一大批木雕佳作和丰富的创作经验，这是一笔宝贵的财富。他对现代黄杨木雕的发展作出了不可磨灭的贡献。他是中国近百年来黄杨木雕史上的又一位承前启后、继往开来的大师。笃芳的大哥王笃纯先生继承父业，在黄杨木雕的学习和创作上刻苦认真，精益求精，长期担任乐清县特艺雕刻厂厂长，不断创作新的作品，为发展黄杨木雕艺术也作出了突出贡献。王笃纯1953年被选送到中央美术学院民间工艺美术学习班学习；1958年又进入中央工艺美术学院雕塑研究班深造。他既雕制传统题材的作品，更喜欢从现实生活中选取题材，创造出具有新意的、生动活泼的人物形象和动物形象。他创作的《儿嬉》、《捉迷藏》、《赶集》、《赵五娘》、《三鹅嬉水》、《水乡即景》、《默想仕女》、《信奉仕女》和《两岸同根》等黄杨木雕和根雕作品，形象真实，气韵生动，生活趣味很浓，风格独具，为王家后辈学艺树立了榜样，给予王笃芳以深刻的影响。在父兄辈的影响下，王笃芳的木雕艺术，一直走着一条继承传统与创新并举，古代题材与现实生活题材齐头并进，现实主义与浪漫主义相结合的正确而宽阔的艺术道路。
二、技道并进